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Armonía 2 - Semana 1

Revisión de contenidos

📖Resumen del sílabo:

El sílabo de Armonía II se enfoca en el desarrollo de competencias avanzadas en armonía tonal mediante una combinación de teoría, práctica y trabajo autónomo. A lo largo del semestre, los estudiantes profundizarán en conceptos como el encadenamiento de acordes en diferentes posiciones, el uso de notas extrañas al acorde, modulaciones, tonicalizaciones, dominantes secundarios y acordes sustitutos.

Metodología:

El curso emplea una metodología basada en proyectos, trabajo colaborativo, exposiciones orales, análisis de obras musicales, y uso de tecnología digital. Los estudiantes deberán completar tareas semanales que refuercen los conceptos discutidos en clase y participarán activamente en proyectos integradores que combinen teoría y práctica.

Componentes de Evaluación:

  • Proyectos (30% cada uno): Aplicación práctica de conceptos armónicos en composiciones, análisis y arreglos musicales. Se evaluará tanto el producto final como el proceso de aprendizaje.
  • Participación Activa (20%): Evaluación basada en la calidad de las contribuciones a discusiones y trabajos grupales.
  • Tareas y Ejercicios Semanales (15%): Ejercicios de armonización, análisis musical y pequeñas composiciones para reforzar los conceptos teóricos.
  • Informe de Reflexión (10%): Reflexión crítica sobre el proceso de aprendizaje y los desafíos enfrentados.
  • Evaluaciones del Semestre (25%): Dos evaluaciones parciales (12.5% cada una) que cubren la capacidad del estudiante para analizar, interpretar y crear estructuras armónicas.

Trabajo Autónomo y Competencias:

Se enfatiza la importancia del trabajo autónomo para desarrollar habilidades de investigación, innovación y profundización de conocimientos. El curso trabaja por competencias, asegurando que los estudiantes adquieran habilidades críticas para el análisis armónico avanzado y la práctica musical.

📝Repaso de Armonía I - Parte 1

Revisar los conceptos fundamentales aprendidos en el curso anterior, como el encadenamiento de acordes en estado fundamental y primera inversión.

Ley de Espaciado:

  • Entre las voces superiores (Soprano, Alto, Tenor - SAT) no se debe exceder la distancia de una octava.
  • El Bajo es la única voz que puede exceder la octava.
  • En Berklee, se recomienda una sexta en lugar de una octava entre estas voces.

Movimientos de las voces:

  1. Movimiento Contrario: En el movimiento contrario, dos voces se mueven en direcciones opuestas. Es decir, cuando una voz asciende, la otra desciende. Este tipo de movimiento es utilizado para crear independencia entre las voces y evitar la acumulación de intervalos paralelos, como quintas y octavas.
  2. Movimiento Paralelo: En el movimiento paralelo, dos voces se mueven en la misma dirección manteniendo siempre el mismo intervalo entre ellas. Por ejemplo, si dos voces se mueven hacia arriba o hacia abajo manteniendo siempre un intervalo de tercera, eso es un movimiento paralelo. Este tipo de movimiento puede crear una sensación de uniformidad en la textura musical, pero debe usarse con cuidado para evitar movimientos paralelos de quintas y octavas, que son generalmente evitados en la armonía tradicional.
  3. Movimiento Oblicuo: En el movimiento oblicuo, una voz permanece en la misma nota mientras que la otra se mueve hacia arriba o hacia abajo. Este tipo de movimiento es útil para mantener una nota pedal o un punto de apoyo mientras otras voces se mueven, creando un contraste entre la estabilidad de una voz y el movimiento de otra.
  4. Movimiento Similar: En el movimiento similar, dos voces se mueven en la misma dirección (ambas ascendentes o descendentes) pero con diferentes intervalos. A diferencia del movimiento paralelo, las voces no mantienen el mismo intervalo entre ellas. Este tipo de movimiento permite una mayor variedad en la textura armónica mientras se mantiene cierta cohesión en la dirección del movimiento.

Estos movimientos son fundamentales en la escritura contrapuntística y en la armonización, ya que ayudan a controlar la independencia y la interrelación entre las diferentes voces de una composición.

Posición del Acorde:

  • La posición del acorde la dictan la soprano y el tenor.
    • Si la distancia entre soprano y tenor es hasta una octava, se considera posición cerrada.
    • Si la distancia es mayor a una octava, se considera posición abierta.

Consonancias y Disonancias:

  • Consonancias: 1, 3, 5 (6), 8 (chord-tones <1-3-5>).
  • Disonancias: 2, 4, 6, 7 (non-chord tones).
  • En contrapunto 6 es consonancia, en armonía sigue siendo disonancia.
Consonancias y Disonancias by pavelasco

Reglas de la Melodía:

  • Comenzar y terminar en consonancia, preferiblemente en la tónica.
  • Utilizar consonancias en tiempos fuertes.
  • Disonancias en tiempos débiles
  • melodías básicas en NEGRAS.

Tendency tones :

  • 2 resuelve a 3 o 1
  • 4 resuelve a 5 o 3
  • 6 resuelve a 5
  • 7 resuelve a 1
  • Todo salto mayor a una tercera debe ser compensado con movimiento contrario y a grado conjunto.

He creado una tabla con la información sobre los "tendency tones" o tonos de tendencia basada en la descripción proporcionada por Hutchinson. Puedes revisarla para entender cómo cada uno de estos tonos tiende a resolver dentro del contexto de la escala mayor. Si necesitas más detalles o ejemplos adicionales, estaré encantado de ayudarte. Revisa los Anexos para ver las melodías que hicimos en clases.

Encadenamiento de Acordes en Estado Fundamental (EST. F):

  • El bajo siempre debe tener la fundamental.
    • Si el bajo se mueve en terceras o sextas, hay dos voces en común.
    • Si el bajo se mueve en segundas o séptimas, no hay voces en común.
    • Si el bajo se mueve en cuartas o quintas, hay una voz en común.
  • Revisa los anexos para ver los encadenamientos que hicimos.

🫣Tarea:

  • Crear 5 melodías utilizando los conceptos de consonancias, disonancias y leading tones.
  • Subirla en la carpeta asignada y en la sección de moodle preparada para ello.

🖇️Anexos

Musescore trabajado en clase.

A2-Semana1 by pavelasco

🔌Plugins para musescore

  • Revisar paralelismos objetables: movimientos entre dos voces o partes que se mueven simultáneamente en intervalos de quinta o octava, lo que puede ser considerado problemático en estilos de escritura contrapuntística. Este plugin revisa automáticamente el puntaje musical y resalta estos intervalos paralelos para que el usuario los corrija, garantizando una escritura más armoniosa y fiel a las prácticas contrapuntísticas tradicionales.
  • Identificador de acordes: El "Chord Identifier and Roman Numeral Analysis" es un plugin para MuseScore que identifica automáticamente los acordes presentes en una partitura y los analiza utilizando notación de números romanos. Esto es especialmente útil para músicos que desean una rápida comprensión armónica de una pieza, ya que proporciona tanto los nombres de los acordes como su función armónica en el contexto tonal. Este plugin es ideal para estudiantes de teoría musical, arreglistas y compositores que buscan una herramienta que les ayude a analizar o enseñar progresiones armónicas de manera eficiente.
  • Color de notas: El plugin "Color Notes TPC" para MuseScore colorea automáticamente las notas en una partitura basándose en su nombre o "pitch class". Esto significa que cada nota recibe un color específico, lo que facilita la visualización y comprensión de la tonalidad, estructura melódica, y patrones de la música. Este plugin es especialmente útil para la enseñanza musical, ayudando a los estudiantes a aprender a leer música más rápidamente y a identificar notas y patrones. También es útil para músicos con sinestesia que pueden asociar colores específicos con tonos o notas.
  • Analizador de solos: El "Solo Analyzer" es un plugin diseñado para analizar solos musicales en MuseScore. Este plugin ofrece análisis detallados sobre la construcción melódica de un solo, mostrando cómo se alinean las notas del solo con los acordes subyacentes. Puede analizar elementos como las escalas utilizadas, las notas de enfoque, y cómo el intérprete navega a través de la progresión armónica. Esta herramienta es extremadamente útil para músicos de jazz, improvisadores y compositores que desean estudiar solos con mayor profundidad para entender las técnicas utilizadas y aplicar esos conceptos a sus propias interpretaciones y composiciones.

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